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Cinéma de film en film - Page 2

  • "Le bonheur" de Marcel l’Herbier : une étude de la Star et de son statut

    Marcel l’Herbier le bonheur gaby morlay, charles boyer, cinéma français des années 30, les réalisateurs de cinéma du front populaire

             " La Star, ce symbole de l'aliénation de notre société décadente ?" (René Prédal) 

     

     

                        Jamais assez choyée, jamais assez admirée, jamais assez aimée, jamais assez fêtée...

                        Le film « Le Bonheur » réalisé par Marcel l’Herbier en 1935 avec Gaby Morlay dans le rôle de Clara Stuart… peut être vu comme une étude de caractère qui prend pour sujet "la Star" ainsi que ses acteurs centraux et périphériques : producteurs, agents et autres intervenants et parasites.

                       Puits sans fond affectif, tonneau des Danaïdes, gouffre de désir aussi absolu que nocif... insatiable dans cette quête, sur la brèche, toujours ! Le plein de la vie est dans ce manque, ce vide qui ne cesse de se remplir pour mieux se vider…

    Aussi, malheur alors à celui qui tombera amoureux de ce manque ; la tentative de le combler fera son malheur ; car la Star choisira toujours la promesse de plus d’amour, l’amour de la multitude, un public anonyme, à la fois si proche et si lointain, un amour sans visage, sans corps, sans bras, son main, un amour unisexe, un amour dans lequel la star demeure seul face à son miroir qu’est son public, le corps inaccessible, le corps intacte car impénétrable… oui ! a Star choisira toujours cette promesse-là contre l’amour d’un seul.

                     La star est à la fois un mensonge qui dit toujours la vérité, et une vérité qui a pour source le mensonge :  tout comme le cinéma ; et la moindre tentative de rompre ce cercle vicieux - le refus d’en aimer un seul et d'en être aimée -, échouera car sa suivie en tant que Star dépend de l'amour de cette multitude.

    Le bonheur n’a pas de place dans cette vie-là car le bonheur ne trouve une place que dans l'authenticité  ; est heureux celui qui est authentique, d'un seul tenant, d'un seul bloc pour ainsi dire ; le bonheur ne se fera donc aucune place auprès de la Star, et cette Star auprès de lui, dans sa vie, trop grande vie, cette vie qui ne s’appartient pas, et qui ne lui appartient pas non plus ;  le jour où le public se retirera, ce public qui lui aura tout donné alors qu’il croyait naïvement avoir tout reçu d’elle…. l'étoile s'éteindra. 

     

                                           ***                                                     

                    Où est la vérité chez la star, la vérité de la star, alors que tout n’est que mensonge ou bien plutôt tromperie de par et d’autre.

    La vie d'une Star n'est pas un roman mais un conte d’une trentaine de pages imprimé à des millions d’exemplaires, d’édition en ré-édition ; conte récurrent comme une ritournelle…  à l’image de cette addiction à l’affect…

    Le mérite de Marcel l'Herbier dans "Le bonheur" c'est bien d'avoir mis à nu la vérité humaine de cette quête ; une mise à nu avec empathie mais sans faux-semblant. 

     

     _____________

     

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  • Buffalo'66... where fools rush in : Vincent Gallo aussi

     

     

    "When we met, I felt my life begin

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    Buffalo'66 : écrit et réalisé par Vincent Gallo en 1998

     

                 Billy Brown sort de prison après cinq ans. Il décide d'aller voir ses parents à qui il n'a pas souhaité avouer la raison de son absence, choisissant de leur dire qu'il était parti se marier. Il kidnappe une jeune femme en chemin, Layla, et l'oblige à se faire passer pour sa femme devant ses parents.

     

    ***


     

     

              Sensibilité, charme... puissance et profondeur du cinéma indépendant américain aujourd'hui décimé... si le cinéma d'Hollywood part du vraisemblable pour nous parler d'une réalité qui n'existe pas et nous vendre le plus souvent un mensonge plus ou moins énorme, en revanche,  le cinéma indépendant américain (ou autre) part de l'invraisemblable ( ici : kidnapper une jeune fille et la faire passer pour son épouse auprès de ses parents) pour mieux coller à la réalité et nous proposer une des nombreuses vérités qui touchent à l'être humain, et dans Buffalo's 66... à la naissance de l'amour entre deux êtres.

     

    ***


     

       

               Dans Buffalo's 66, Ben Gazzara (invité d'honneur) chante (en playback sur la voix de Johnny Desmond) "Fools rush in" (de Bloom et Mercer) à la partenaire de Vincent Gallo, Christina Ricci :

     

    Fools rush in, where angels fear to tread
    And so I come to you my love
    My heart above my head
    Though I see the danger there
    If there's a chance for me
    Then I don't care, oh-oh-oh-oh

    Fools rush in, where wise men never go
    But wise men never fall in love
    So how are they to know
    When we met, I felt my life begin
    So open up your heart and let
    This fool rush in

     

    ***

     

     

              Vincent Gallo (acteur, réalisateur, artiste peintre, auteur compositeur et musicien pop) s'explique tout en expliquant : Buffalo'66, l'industrie du cinéma, la critique cinématographique, son travail d'artiste.

     

                         Des nouvelles de Vincent Gallo Mars 2018 ICI

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  • Que faire du cinéma de Bertrand Tavernier ?

     

    tavernier bertrand et le cinéma

    Tavernier par-ci, Tavernier par-là...

    Même France-Inter n'est pas en reste qui parle d'une "balade enchantée à travers le cinéma avec pour compagnon de route, le cinéaste Bertrand Tavernier." - ICI

    Le cinéma de Bertrand Tavernier (né 1941)-  réalisateur qui ne sera jamais un cinéaste à notre grand regret puisqu'il semble que ce soit difficile de faire sans lui... omniprésent dans les médias qu'il est -, a la fâcheuse habitude de s'écrire et de se déployer, là, sous nos yeux,  à gros, très gros traits... feutre et Stabilo rouge vif ; sans doute Tavernier craint que l'on rate son propos ; en effet, le cinéma de Tavernier est un cinéma à message ; du moins telle semble être son ambition.

                     Les films de Tavernier sont comme ses interventions : sur-écrits, sur-joués ; Tavernier n'est pas un sanguin, c'est un addict du pathos car tout est pathos et affects chez lui. 

                   Si Tavernier fait partie de ces réalisateurs qui ont commencé leur carrière comme critique.... - or, on savait la critique facile... du moins, plus facile que l'Art cinématographique - pour cette raison, il aurait vraiment dû se méfier car force est de constater que Tavernier n'a jamais compris que le cinéma c'est la révélation (dans le meilleur des cas : Tarkovski, Bergman...) et non la démonstration. Quant aux acteurs, tous devraient savoir qu'il ne faut jamais rien montrer ; il faut tout simplement "être".

                 Mais alors : que faire du cinéma de Bertrand Tavernier ? La réponse ne tardera pas : poubelle-3-c32b2.jpg

     

     

     

     

     

    1 - Dans la brume électrique (In the Electric Mist)- dans ce film de 2009, bien que bavard, il n'est pas sûr que le réalisateur ait su (et compris lui-même) le message qu'il a tenté de faire passer à nous pauvres spectateurs. Il est vrai que c'est tellement difficile d'avoir quelque chose à dire ; tout aussi difficile de savoir le dire... pour ne rien dire des cas où on pensait avoir quelque chose à dire.... à tort : n'ayant, dans les faits, rien à dire. Tavernier semble le candidat parfait pour ce genre de méprise.

     

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  • "Le prisonnier" - 1 : il était une fois Patrick Mc Goohan

     

     

     

                « Un agent secret britannique démissionne et s’apprête à quitter la Grande Bretagne ; gazé, il est ensuite enlevé. Quand il reprend conscience, cet agent ne tarde pas à comprendre qu’il est prisonnier dans un lieu inconnu, un village - le Village ! - d'où il semble impossible de s'échapper. Dépossédé de son identité, "Le Prisonnier" n'aura alors avec pour seul nom un numéro : le 6.  Très vite, il tentera tout pour quitter le Village bien que constamment épié, interrogé sur les motifs de sa démission, harcelé et traqué. »

                Qu’est-ce que cache la démission du numéro 6 ? A-t-elle pour but de vendre à prix d’or des informations au camp d’en face ? 

    De le découvrir, telle est la tâche de tous les « numéro 2 » (N2) qui gèrent le Village et qui se succéderont car, à chaque échec de ces N2 qui obéissent aux ordres d’un unique Numéro 1 (N1) (dont on nous privera de son visage et de sa voix), ils seront remplacés : 

    "Où suis-je ?

    - Au Village.

    - Que voulez-vous ?

    - Des informations.

    - Dans quel camp êtes-vous ?

    - Là, vous en demandez trop.

    - Je ne vous dirai rien.

    - De gré ou de force, vous parlerez !

    - Qui êtes-vous ?

    - Je suis le N2.

    - Qui est le N1?

     

                    Cette dernière question du N6 n’obtiendra pas de réponse ; en effet, il semble que l'identité de ce N1 ne soit pas « connaissable » ; d’une nature luciférienne,  tel un Méphistophélès contemporain… "le Léviathan" ne peut que se dérober à toute identification, à tout entendement.

     

    ***

     

    « Je veux rejoindre mon monde...

    - Votre monde est ici et nulle part ailleurs maintenant. De quoi vous plaignez-vous ? Vous avez tout ce qu’il vous fait ici.

    - Ailleurs aussi, j’ai tout ce qu’il me faut. »

     

    Le prisonnier il était une fois Patrick Mc Goohan

     

                    Le N6 ne s’en cache pas : il annonce à qui veut l’entendre qu’il ne se résignera pas ; il n'aura de cesse de tenter de s'évader et il réussira ; une fois libre, il promet de revenir pour détruire ce Village et ceux qui l’administrent.          

                  Toujours en mouvement ce prisonnier ! Il va, il vient, allant, venant, revenant, repartant, sans répit, tel un lion en cage dans une cellule de la grandeur d’un village de quelques centaines d’habitants.

    Le prisonnier n’aura jamais été autant en captivité que lorsqu’il aura pu un penser un temps qu’il était enfin libre, que son évasion avait réussi, oublieux du fait qu'il se saurait y avoir de liberté pour un prisonnier quel qu'il soit qu’une évasion qui sait se passer de la complicité d’un geôlier machiavélique.

                   Faisant preuve d'un humour grinçant puis désespéré… ironie de survie sans aucun doute - si l’humour est l’essence même d’une société démocratique, doit-on alors en conclure que l’on juge une société à son humour ? -, d’une force morale peu commune, au fil des épisodes, le N6 se montrera plus colérique, plus violent physiquement et verbalement, plus sarcastique aussi : seule façon pour lui de gérer un stress croissant et l’épuisement mentale qui représente sa quête de liberté et ses tentatives d’évasion avortées ?

                Le N6 guérira ; ils le lui promettent ; entendez : il finira par se soumettre et expliquer ce que cache sa démission tout en acceptant de finir ses jours dans le Village.

    Très tôt, il s'avérera que les échecs successifs du Prisonnier à chaque tentative d’évasion rencontreront les échecs des N2 dans leur entreprise de découverte des raisons de la démission d'un Prisonnier qui ploie mais ne rompt pas : angoisse, impuissance, ce sont donc deux échecs qui, épisode  après épisode, se feront face ; duel de l’un contre tout un système répressif et sans pardon.

     

       Pour prolonger, cliquez : Le Prisonnier - analyse complète en 4 parties.

     

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  • 2001, l'Odyssée de l'espace : quand Hal is hell...

     

                   La figure extravagante du Docteur Folamour (de l'auteur Peter George), comédie satirique adaptée pour le cinéma par Stanley Kubrick, nous poursuivra longtemps,  entre rêve et cauchemar, réalité et fiction, en la personne de Peter Sellers sorti tout droit de Lolita ( de l'auteur Anthony Burgess), et qui excellera, jubilatoire, s’en donnant à cœur joie comme jamais plus au cinéma, si l’on en croit les confidences de l’acteur…

    Et pour peu qu’il nous soit donné de tout connaître et de tout comprendre un jour, jusqu‘à la ré-affirmation de l‘éternel retour  puisque tout ce qui est... a déjà été semble-t-il, c’est le compositeur György Ligeti qui viendra épauler un Kubrick toujours là où l’on ne l’attend pas, à l’ombre d’un monolithe mystérieux, pour une Odyssée qui marquera à jamais la seconde moitié du 20è siècle...

     


     

                           "2001, l'Odyssée de l'espace" (de l'auteur de science-fiction britannique Arthur C. Clarke) sera porté à l'écran en 1968.

                       HAL 9000 est un système informatique embarqué d'intelligence artificielle ; il entend, il voit, il interroge, il est apte à tenir une conversation, à la susciter ; il est aussi capable de prendre de manière autonome des décisions et de gérer tous les systèmes de navigation, de contrôle et de communication d'un vaisseau spatial ("Discovery one" en l'occurrence, chargé de gagner la planète Mars) ; tâche qu'il ne se privera pas d'accomplir avec zèle. 

    Hypocrite, dissimulateur, paranoïaque, orgueilleux, vaniteux et vindicatif, Hal s'avérera bien plus proche de notre humanité que ce que ses concepteurs avaient pu envisager et même espérer.

     

     

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  • Intouchables : pourquoi fallait-il un Noir en face de ce Blanc tétraplégique ?

     

    politique,justice,actualité,société,cinéma,films,acteurs,art  

     

                       Une vraie dynamique, quelques idées de cinéma, d’aucuns parleront de « bon boulot » à propos du film « Intouchables » sorti en 2011.

    Si les réalisateurs ont su le plus souvent éviter les pièges tendus par un scénario à haut risque - ceux, entre autres, du pathos, des larmes et des stéréotypes raciaux et de classes -, contrairement à ce qui a pu être écrit ici et là, pas de bien-pensance dans ce film pour la simple raison qu’on n’y trouvera aucune pensée, et c’est déjà ça de gagner ou de sauver s’empressera-t-on d’ajouter car, le travail passé des scénaristes-réalisateurs est là pour l’attester : si par malheur ces derniers avaient souhaité y prétendre… c’est bien avec une catastrophe qu’on aurait eu rendez-vous.

    Dans « Intouchables » sans doute pourra-t-on y voir en toute bonne foi, outre le souci de se remplir les poches, le désir sincère de raconter avec honnêteté une histoire… vraie de surcroît.

    Conte de fée sans morale donc (référence au fait qu’il n’y a pas de pensée) on pourra quand même regretter que les réalisateurs Toledano et Nakache aient pour les Blacks de la banlieue (1) qu’un seul projet : qu’ils torchent, lavent et essuient le cul des Blancs…

    Parce que ça, c’est quand même pas très nouveau !

    Sans oublier l’incontournable : « Touche pas à la femme blanche ! » - même sous le prétexte qu’elle puisse être lesbienne.

    Aux Etats-Unis, le film sera jugé raciste et choquant.

    Certes, il y a aux USA une vraie culture de l'antiracisme et de l'anti-négrophobie en particulier qui ne doit rien à ce PS bien de chez nous (composé exclusivement de Blancs) qui n'a pas cessé d'instrumentaliser cette lutte sans profit aucun pour ceux qui étaient concernés ; ce qui n'a pas empêché les membres de ce parti de faire de belle carrière autour de la lutte anti-raciste. 

    Le succès de 'Intouchables" n'est que le reflet d'une absence totale de culture telle que définie plus haut. Les bons sentiments n'expliquent ni n'excusent pas cette ignorance. Les réalisateurs ont su admirablement capitaliser dessus ; même la critique n'y a vu que du feu ; de leur part, seul le scénario a fait l'objet de commentaires "ironiques" et "moqueurs" sans pour autant remettre en cause le rôle tenu par un acteur qui se devait d'être noir puisque son personnage l'était.

    On retrouva le même engouement de la part du public pour "La ligne verte" de production américaine cette fois-ci ; film tout aussi scandaleux sur le fond.

     

    ***

                 Pour l’adaptation au cinéma de La case de l'oncle Tom, les volontaires n’ont jamais manqué à l’appel, et Omar Sy (2) semble fin prêt pour une nouvelle adaptation du roman de l'écrivain américaine Harriet Beecher Stowe dont les premières feuilles ont été publiées en 1852…

    En 2011, avec "Intouchables", qu'un acteur nommé Omar Sy ait prêté son concours à un tel projet, c’est déjà en soi une belle déception car enfin… difficile de ne pas se poser la question suivante : pourquoi fallait-il un Noir corvéable à merci ( un noir torche-cul)  en face de ce Blanc tétraplégique et millionnaire ?

    Devinez !

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    1 - Banlieue dont on ne sait pas quoi faire et que l’on commence à peine à savoir filmer… semble-t-il !

    2 - Canal+ oblige : génération grandes gueules et petites têtes.

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  • Première guerre mondiale : Stanley Kubrick contre Jean Renoir

                    A 20 ans d'intervalle, deux films, deux réalisateurs sur un sujet identique : la Première guerre mondiale ; c'est un océan qui sépare ces deux films et ces deux réalisateurs. 

     

    renoir kubrick sur la première guerre mondiale

    La Grande Illusion de Jean Renoir - 1937

     

    Encensé par tout ce qui ressemble de près ou de loin à un cinéphile, à un critique… "La grande illusion" a le prestige, le mérite ou bien, l'inconvénient de l’unanimité ; autant dire, un film culte. Aussi, bon courage à qui s’avisera de formuler quelques réserves à propos de ce monument d’un unanimisme moutonnier ! Grand mal lui en prendra, pour sûr ! Et pourtant…

    Première Guerre mondiale...

    Huit millions et demi de Français seront appelés ; un sur cinq y laissera sa vie, sa pauvre et maigre vie, à raison de 900 par jour, et autant de mutilés - un bras, une jambe, des yeux, la vue… -, en Flandres, en Artois, dans la Somme, en Île-de-France, au Chemin des Dames, en Champagne, à Verdun et en Lorraine…

    Tenez ! 27000 morts en une seule journée le 22 août 1914 «à coups de crosse, à coups de poignards, à coups de bombes et de mitraille». 

    Pour une guerre joyeuse dans ses premières semaines… on peut dire qu’en 4 ans, le spectacle tournera au cauchemar puis à la tragédie car cette boucherie et ce scandale qu’est cette guerre dont on cherche encore aujourd’hui la grandeur.

     

               Jean Renoir dans « La grande illusion » nous présentera un conflit mené dans un esprit chevaleresque et aristocratique, alors qu’il s’est le plus souvent agi de bouchers gantés, le petit doigt sur la couture du pantalon civil et militaire, impeccables certes !  Habiles dans le maniement de leur lorgnon, c’est vrai ! mais bouchers quand même ! Et leurs épouses, marraines de guerre, n’y changeront rien ; chacun de leurs colis viendra ajouter une touche obscène à ce sacrifice sans scrupule et sans objet qu’est cette première guerre mondiale.

    S’il faut parfois savoir se taire avant de parler, décidément, il y a des réalisateurs qui feraient bien de retenir un « Moteur ! » avant de donner le signal de faire tourner la caméra d'un projet cinématographique qui soumettra à notre perspicacité des questions qui n’en sont pas et des réponses… pas davantage. En effet, les de Boëldieu et les von Rauffenstein (les rentiers et les banquiers), héros d’un film fâcheux d'un fils dont le père était quand même mieux inspiré, pinceau d’une main, palette de l’autre, n’étaient au mieux qu’une exception qui confirme la règle, au pire une fiction d’une naïveté insultante pour les millions de pauvres bougres qui y laissèrent leur vie. Dans les faits, les Rauffenstein et de Boëldieu de ces années-là avaient la rancune sournoise ; n'en doutons pas un seul instant, ils étaient bien trop contents de précipiter sous la mitraille des gueux souvent grévistes et revêches, sans doute pour leur apprendre à obéir une fois pour toutes les fois, la dernière, où ils auront été tentés de n’en faire qu’à leur tête d’ouvriers et d’artisans décidément indomptables.

    Quelques jours avant sa mort et le début d'un grand chambardement, Jaurès ne s'est-il pas adressé à eux en ces termes :

                  « Quoi qu’il en soit, citoyens, et je dis ces choses avec une sorte de désespoir, il n’y a plus, au moment où nous sommes menacés de meurtre et, de sauvagerie, qu’une chance pour le maintien de la paix et le salut de la civilisation, c’est que le prolétariat rassemble toutes ses forces qui comptent un grand nombre de frères, Français, Anglais, Allemands, Italiens, Russes et que nous demandions à ces milliers d’hommes de s’unir pour que le battement unanime de leurs cœurs écarte l’horrible cauchemar ». Discours de jean Jaurès – le dernier -, contre la menace de la guerre totale cinq jours avant son assassinat - prononcé à Lyon-Vaise le 25 Juillet 1914.

     

    renoir kubrick sur la première guerre mondiale grande illusion sentiers de la gloire

    Les sentiers de la gloire : Stanley Kubrick - 1957

     

                  Cette boucherie de 14-18  qui semble avoir échappé à Renoir - durant la Première guerre mondiale, il sera affecté dans une escadrille  de reconnaissance - et les de Boëldieu de ce conflit, c'est Stanley Kubrick qui nous les servira sans réserve dans un film militant basé sur des faits réels (affaire des caporaux de Souain).

    "Les sentiers de la gloire", véritable cri anti-guerre,  retentira comme un appel vibrant à la fraternité  humaine : "Soldats de tous les pays, unissez-vous contre votre hiérarchie et vos gouvernements !" car le soldat, chair à canon, simple pion, n'a qu'un seul ennemi : cette même hiérarchie et ces mêmes gouvernements.

     

    ***

             

                  Longtemps on pourra regretter que la critique cinématographique ( celle de la tradition d'un Michel Ciment - plus groupie que critique notamment envers tous les réalisateurs dits "culte") restera absente dans la dénonciation de cette faute à la fois morale et historique qu'est "La grande illusion" ; et  si cette « illusion » sur grand écran  a été bien accueillie par la critique et le public dès sa sortie en 1937 – contrairement à « La règle du jeu » tournée une année plus tard -, c’est sans doute parce que  personne ne s’y est trompé : seule la vérité dérange,  le mensonge, lui, en rassure plus d’un et plus d’une.

     

     

    1 - A noter le fait que Renoir proposera ses services à Vichy dès 1940. Esprit confus que celui de Renoir ! sans doute parce qu'il n'a pas reçu d'éducation politique, morale et philosophique poussée. Double discours aussi : "La règle du jeu" et "La grande illusion" : Renoir valide quoi dans ces deux films ? Où est Renoir et avec qui ? On pensera au "... en même temps" de Macron et d'autres : ce fameux centre, le ventre mou de la morale et de l'engagement. Souvenons-nous de cette remarque du personnage Octave tenu par le réalisateur dans la Règle du jeu : "Tout le monde a une bonne raison d'être ce qu'il est et de faire ce qu'il fait". Le mot (l'adjectif) en trop est "bonne"... car une raison n'est pas nécessairement une "bonne" raison. Cette nuance a échappé à Renoir tout au long de son oeuvre : Renoir semble ne juger ni le mal ni le bien : relativisme lâche et opportuniste ? - retour alors à la case départ : la première ligne de ce commentaire-ci.

     

     

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  • Oedipe roi - de Pasolini

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                 "Je suis à l'abri car j'ai la vérité avec moi. Mais… qu'il est horrible  de savoir alors que ce n'est d'aucune utilité pour celui qui sait. Je savais. J'ai voulu oublier. " Tirésias - l'oracle -, s'adressant à Oedipe, roi de Thèbes.

     

    ***

     

                   Personne n’a autant pris au sérieux nos mythes et leur transmission que Pasolini, d'autant plus qu'avec ce cinéaste exigeant et sans concessions, c’est toujours à prendre ou à laisser. Alors on prend, bien sûr ! car l'on sait déjà que Pasolini nous rendra même ce qu'on lui a pris ; on en sera donc doublement récompensés.

                   Pasolini n’est pas un faiseur doué et malin, c’est un visionnaire et un militant. Tourné au Maroc, pour Œdipe roi (tragédie de Sophocle ;  429 av.J.C) porté à l’écran en 1967, Pasolini choisit un décor antique en l'état. Hurlements, cris, plaintes, rythmes, chants et musiques de tous les continents (Asie via le Japon), Œdipe roi de Pasolini c'est la leçon d'Artaud ; Artaud et son théâtre de la cruauté : le texte se tait, plus de bavardage ; c’est aussi un Art brut… brut de décoffrage avec ses visages "rupestres", arides, hommes, femmes et enfants du désert et d'un dur labeur sous la chaleur ; parures et armures fruits d’un choix à la fois extravagant et rustique, le tout appuyé par un casting composé d’amateurs entourés de quelques professionnels, la mise en scène primant sur la psychologie.

    Anti-intellectuel, anti-culturel, a-historique, l’Œdipe de Pasolini peut traverser le temps sans craindre de prendre une ride, une seule ou de s’attirer les quolibets d’un public indigent et avachi, aujourd'hui bien incapable de relever tout défi quel qu'il soit : esthétique, humain, artistique ou politique.

    Plus surprenant encore, ce cinéma-là de Pasolini, c’est aussi Jean Rouch et ses contes du Niger, avec ses mythes et ses jeux de rôles à tour de rôle.

    Et s'il faut bien reconnaître que... in fine, tous peignent, écrivent, composent et tournent le plus souvent pour les pires de la société (la bourgeoisie), l’œuvre de Pasolini (poèmes, romans, essais, films) est irrémédiablement anti-bourgeoise et anti-institutionnelle ; un parti pris quasi unique, cette volonté qui fut la sienne, de ne rien céder à qui et à quoi que ce soit, jusqu’à la fin, tragique au demeurant.

     

                  Aujourd’hui, le monde occidental ne survivrait pas à un film de Pasolini ; et c’est sans doute la raison pour laquelle il les ignore. Aussi, c’est un miracle que l’industrie du cinéma ne lui ait pas coupé les ailes en son temps puisque tout le cinéma de Pasolini est un cinéma contre l’industrie et la rentabilité (saint Matthieu, Médée).

    Le tiroir caisse ? Pasolini connaît pas ! Autant pour tous ces porcs - même quand ils n’en mangent pas - qui placent l’argent au centre de leur existence car ils ignorent tous autant qu’ils sont que l’indépendance financière ne sert pas à acheter une Ferrari mais à dire la vérité.

     

                     Pier Paolo Pasolini est sans doute un des dix réalisateurs  pour lequel on sera encore disposés à se tenir devant un écran de cinéma trois heures durant dans la pénombre d’une salle obscure, pour peu qu’on puisse y trouver un silence propice au recueillement nécessaire à ce 7e Art privé année après année de sa majuscule.

     

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  • Le cinéma du réalisateur japonais Ozu : "Cachons ce Japon qu'on ne saurait voir !"

     

    ozu cinéma japonais

                      Ah ! Le cinéma dOzu aux Japonaises et Japonais avenants, affables, courtois ! Aux foyers paisibles et harmonieux ; pas un mot plus haut que l'autre de tout ce beau monde ; douceur de vivre, sourires figés, regards compatissants et un peu niais, film après film... en 35 années de cinéma, dès les années 20 !

    Ozu serait-il le Edward Hopper du cinéma ? Un cinéma de la vacuité bouddhiste dont l'essentiel serait ailleurs ? Chez le cinéma des autres ?

                     Car enfin... des années 20 aux années 50, où est, dans l'œuvre de ce réalisateur, le Japonais qui a colonisé la Chine et la Corée ? Où est le Japonais qui torture, humilie les prisonniers britanniques (Thatcher, alors Premier ministre, refusera, sans jamais céder, de saluer l'Empereur du Japon). Où est le Japonais qui fit des femmes des pays occupés des prostituées au service de leurs troupes ? Le Japon allié d'une Allemagne nazi ? Et puis n'oublions rien : le Japon d'Hiroshima et de Nagasaki ? Et enfin : où est le Japonais contemporain dont le cinéma pornographique repose sur la maltraitance des femmes dans une représentation symptomatique de son statut dans la société japonaise ?

                    Mais alors, le cinéma d'Ozu ne serait-il qu’un grand mensonge ? Le cinéma d’un cinéaste amnésique en ce qui concerne l’Histoire et indifférent face à  la réalité des rapports sociaux au sien de la société japonaise?

    Soit dit en passant, d'aucuns ne s'y sont pas trompés car à l'extrême droite de l'échiquier politique européen, nombreux sont ceux qui  admirent la culture et la société japonaises ; société verticale  ethniquement "pure" : traditions, ordre, obéissance, discipline et soumission hiérarchique ( un pays sans grèves ni manifestations) ; et leurs aînés qui poussent encore des caddie à l'âge de 75 ans pour pouvoir boucler leur fin de mois.

                  Confronté à ce que le cinéma de Ozu nous a donné et nous donne à voir aujourd'hui encore, la question suivante s'impose (1) : si le cinéma de la même période a su mettre en lumière (des années 30 à nous jours) cet autre visage des moeurs de la société japonaise et de son organisation sociale - infériorisation de la femme, rapports sociaux régis par la contrainte et la soumission ; cruauté et sadisme -, pourquoi Ozu s'y est-il refusé obstinément, 35 années durant (notez à nouveau la période qui s'étend des années 20 aux années 50) alors que tout son cinéma n'a pas cessé de placer sa caméra et ses micros dans tous les lieux de la société japonaise de son temps : dans les foyers ( couples, enfants et jeunes adultes), dans les entreprises du tertiaire (les bureaux) et les bars et autres lieux de socialisation ?

    Et si finalement toute l'oeuvre de Ozu était une œuvre enfumoir - un vaste écran de fumée ? Ozu aurait alors filmé le Japon pour mieux nous le cacher ?

     

    ozu.JPG

     

     

     

     

     

     

     

     

    1 - A propos d'un commentaire d'un internaute suite à ma "critique" du cinéma d'Ozu - commentaire vindicatif à mon endroit -, voici ce que j'ai pu répondre : Ecrire "Le cinéma d'Ozu n'a aucun compte à rendre à personne. On aime ou on n'aime pas" est une affirmation émotionnelle aussi maladroite qu'irrecevable d'une nature asociale, anti-culturelle et anti-intellectuelle car toute l'histoire de l'Art ( qui est aussi l'histoire des oeuvres et de leurs créateurs) repose sur la confrontation et l'analyse d'œuvres qui ont, non pas des comptes à rendre, mais des devoirs au regard de l'histoire ; en effet, si ces œuvres nous questionnent, elles ont aussi l'obligation de répondre à nos interrogations avec ou sans le concours de ses créateurs parce qu'ils s'y refuseraient ou bien parce qu'ils ne seraient plus là pour nous répondre. Aussi, ma question est tout à fait légitime.

     

     

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  • Panique chez Julien Duvivier

     

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    "Panique" de Julien Duvivier

     

                  ... ou quand "l'amour c'est la beauté du monde" (1) dans toute sa laideur : trahison, meurtre, manipulation et lynchage.

                  Le corps d'une femme retrouvé étranglée dans un terrain vague ; un locataire Monsieur Hire, tellement différent qu'il en devient d'abord énigmatique, puis antipathique, bientôt franchement indésirable et maintenant coupable de meurtre ( l'Etranger de Albert Camus n'est pas loin avec ce personnage maintenant archétypal de Meursault, condamné à mort pour ne pas avoir pleuré à l'enterrement de sa mère).

    C'en est assez, c'en est de trop ! C'est la panique dans tout un quartier qui bascule alors dans une chasse à l'homme, homme- bouc-émissaire, plutôt réussie puisque l'homme, ou bien plutôt la bête est tuée.

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                  "Panique", sorti en 1946, adapté d'un roman de Georges Simenon ( une fois de plus !) d'une grande modernité dans sa réalisation et son traitement en "post-production" - notamment sur le plan sonore -, c'est aussi, et c'est surtout et encore un autre film qui permet de découvrir ou de re-découvrir le niveau d'excellence du cinéma français des années 30 et 40 ainsi que ceux qui l'ont servi : producteurs, scénaristes, dialoguistes, metteurs en scène et acteurs - ici, Michel Simon, un des plus grands... sinon, le plus grand de sa génération.

     

    1 - Chanson-titre qui ouvre et clôt le film.

     

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